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            寧夏攝影學習研習社

            上硬菜!海外主流攝影媒體話題匯編

            中國攝影雜志2020-09-09 09:00:30

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            《中國攝影》“海外媒體速覽1-9月精選

            主持:門曉燕


            《光圈》

            (Aperture)

            美國攝影雜志

            2017年春季刊


            美國命運成為了《光圈》雜志2017年春季刊的主題。美國進入一個矛盾重重的新政府時代后,對其經濟前景的探討依然在繼續。那么,攝影師在這種情況下是如何行走于新國家秩序之下的呢?本期《光圈》為讀者呈現的作品是攝影、勞動者和社區群體對于這種社會現狀的急切反應, 描繪了在一些經濟發展受阻的地區,階級、性別、教育、人口變化、種族和工資等因素的相互作用在社會生活層面的體現,影像具體涉及的話題和內容包括持續進行的人權運動,加利福尼亞99號公路的社區生活,20世紀70年代的美國工人形象等。從農業從業人員到工廠里辛勞地清潔地板的工人,從后工業時代蕭條的城市到不斷涌入難民人口的中心地區,攝影師的作品表現出了經濟蕭條如何影響到人們的生活。


            2017年夏季刊


            本期《光圈》雜志的主題為非洲舞臺。在這個炎熱的夏季,《光圈》雜志邀請了一些客座編輯共同合作,編輯完成了關于非洲攝影狀況深入介紹和探討的文章。這本專刊向讀者推薦了新一代的非洲攝影藝術家,通過對以薩比羅·姆朗格尼(Sabelo Mlangeni) 為代表的10位非洲攝影師的作品介紹以及對其作品的理論評述,將過去25年以來生機勃勃的非洲攝影的“舞臺空間”進行了梳理。梳理所針對的“舞臺”包括非洲舉辦的雙年展和攝影節(如馬里的巴馬科雙年展、埃塞俄比亞的亞的斯亞貝巴攝影節等)、實驗藝術空間以及攝影教育工作坊。


            《英國攝影雜志》

            (British Journal of Photography)



            2017年2月刊


            無論是通常意義上的“家”,還是經過人工改造的所謂的“景觀”,都被囊括進了英國最大的攝影節“格式”(Format) 所舉辦主題為居所的攝影展中。該展覽探索了居所或者棲息地的概念。“格式”攝影展的總監路易·克萊蒙(Louise Clements) 認為,展覽希望讓觀者感受這個星球上人類生存的復雜性。于此,展覽作品涉及了氣候、遷徙、技術等話題,而現實中,所有這些話題的具體內容都在人的活動中快速地變化著,其相互影響所產生的各種效應更是不容忽視。在這一背景下,藝術家的責任感促使他們以自己的方式對這些變化及其影響作出回應。“展覽不僅僅是為了祝賀藝術家們取得的成績,同時我們也希望可以產生一定的效果”,克萊蒙說。


            2017年3月刊


            本期《英國攝影雜志》探討了攝影的本體問題,展示了針對這個問題進行探索的藝術家的作品。

            雜志將日本攝影師橫田大輔(Daisuke Yokota)輕盈精美的攝影藝術裝置和法國藝術家托馬斯·梅拉昂戴(Thomas Mailaender)關于挑釁性的詼諧紋身、陶瓷和奔跑的雞的攝影作品進行了對比。雖然從表面上看,這兩位藝術家的作品幾乎沒有相似之處,但它們實際上都在探索攝影脆弱的物質性,以及攝影術將世間事物神圣化或者世俗化的神奇的工藝流程是如何得以成立的。


            2017年5月刊


            夏洛特·楊森(Charlotte Jansen)認為,女性具有與男性不同的看待事物的視點。 “攝影是權利的表達。拍攝本身通常被看作是男性主宰觀點的表達,是一種獵捕行動。”本期基于楊森的看法,將主題確立為“女性凝視”(Female Gaze)。雜志刊登的女性攝影師的作品,從種族歧視、青少年犯罪以及墮胎等方面探討女性視點的特質

            楊森指出,社交媒體的出現以及鏡頭背后的越漸龐大的女性數量,正在改變男性在攝影領域的主宰地位,也影響著我們看待事物的角度和方式。在各種不同的爭議中,楊森堅信女性的觀看與男性不同,無論是從對色彩的理解,還是影像的細微之處來看,都存在著差異。

            本期雜志從她的觀點出發,采訪了三位女性攝影師。安迪亞·比爾(Endia Beal)圍繞什么是“職業”的問題,談論黑人女性融入攝影行業存在的問題。拍攝青少年犯罪問題的波蘭攝影師祖扎·克拉耶夫斯卡(Zuza Krajewska)認為,男孩子在女性攝影師面前更容易打開心扉。萊雅·阿伯麗爾(Laia Abril)關注的則是極具爭議的墮胎問題,她的目的是將憎惡女性的歷史視覺化,以期世人能夠記住并客觀地了解歷史。



            《攝影》

            PHOTOGRAPHY

            美國攝影雜志


            2017年2月刊


            《攝影》采訪了美國出生的年輕攝影師布魯克·夏登(Brooke Shaden)。夏登從創作自拍肖像開始,逐漸地發展成為以自拍為主要手段的藝術攝影師。她感興趣的主題是黑暗、美麗、消亡和重生。對她來說,自拍肖像本質上并不具有自傳性。相反地,她將自己置身于自己希望探究的環境中進行拍攝,在這些環境中嘗試揭開秘密,體驗種種不可能性,并且向超越我們生存時代的生命發問。

            夏登在她的攝影畫框中捕捉充滿神奇的現實。她運用了畫意般的技術手段和正方形構圖,以非現實的元素取代傳統的攝影屬性。



            《燃燒》

            (Burn)

            美國在線攝影雜志


            2017年1月刊


            出生于1988年的費德里戈·維斯皮格納利(Federico Vespignani)是一位自由攝影師,他的作品曾經在《紐約時報》等國際著名媒體上刊登。本期發表在《燃燒》雜志上的系列作品題目為《藍色回音》,呈現了漁民和大自然之間的關系

            位于加利福尼亞海灣的科爾特斯海被人稱為是“世界海洋館”,有900多種海洋魚類和超過30種的鯨魚種類生存于此。然而,同樣為了生存,每一個夜晚,這里的漁民都會走向危機四伏的幽暗水面。年復一年的過度捕撈嚴重地影響了這里脆弱的生態環境。近十幾年,之前在近海捕獵鯊魚的漁民們不得不轉移到更遠的地方去尋找獵物——他們每天要遠航到40英里之外的海岸去面對更大的鯊魚并戰勝它們。借此,《藍色回音》系列給出了“海洋對于靠它為生的人們究竟意味著什么” 這一問題的答案:它既養育著人們,同時也會奪走人的生命。


            2017年4月刊


            印度實在是一個令人眼花繚亂的過渡,這里充溢著斑斕的建筑和風趣的人們。面對什么都可以輕易拍攝的情形,如何拍攝出與眾不同的作品呢?本期刊登了攝影師杰森·文森(Jason Vinson)拍攝的一組系列作品,希望帶領觀眾帶感受一個別致的印度

            杰森·文森是北美地區100位頂尖婚紗攝影師之一,他十分擅長利用光線和瞬間感進行創作。在印度最古老的胡里節期間,文森前往那里進行拍攝。這時候,整個國家都是是彩色粉末和染料水。人們涌上街頭,慶祝正義戰勝邪惡,迎接新春的到來。文森并沒有設定拍攝腳本,他只希望拍攝一些既可以成系列,又可以作為單幅獨立存在的照片。為了實現這一點,文森將光線看作是至關重要的元素:如果拍攝對象身上沒有引人注目的光線,他就不會按快門。拍攝的時候,文森只使用一臺相機和一個鏡頭,這樣便可以把注意力集中在自己所處空間中的瞬間感受上。


            2017年5月刊


            出生于美國肯塔基的攝影師克萊瑞·艾斯提斯(Clary Estes)擅長拍攝長期項目。其《幸存者》(Those Who Remain)系列作品講述的是一群被流放者的故事。上個世紀40 年代,斯大林政權將一些政治異己者及其家人從他們位于東歐一個角落的故鄉,如今的摩爾多 瓦共和國驅逐出境。他們中的許多人從未與政治沾邊,但仍然被流放到遙遠的哈薩克斯 坦和西伯利亞地區。許多人在流放途中死去,一些人雖然幸存下來,卻經歷了漫長的等 待才得以解放。即使他們歷經艱辛回到原來的家,卻要么過著破碎的生活,要么也是被 禁止發聲。今天,在大多數人都死去之后,存活至今的幸存者及其后代終于可以自由公 開地講述他們的痛苦經歷。他們是重要歷史事件的親身經歷者,但他們的故事鮮有人知。 那些活著的流放者他們透過鏡頭向世人展示自己的面孔,讓世人聆聽他們的聲音。


            2017年7月刊


            拉美國家薩爾瓦多國內有一種根植于神秘主義的說法,一個孩子出生時若有缺陷, 家人和醫生就會說這孩子是“被月亮咬傷”的(mordido por la luna),以此來解釋那些看上去異常的生理表征。薩爾瓦多有相當多的人的出生缺陷和其它嚴重的生理疾病得不到及時醫治,有的甚至永遠無法接受到他們所需要的手術治療。有時候,這些醫療障礙并不能全部歸因于收入和社會經濟地位,通常,有的外科醫生會拒絕進行治療,因為他們自己就缺乏專業的技能、設備或足夠的團隊來承擔更復雜的醫治程序。攝影師安妮卡·帕特森 (Anneke Paterson)拍攝的圖片反映了薩爾瓦多的居民在醫療匱乏環境中的掙扎,以及 人們在為獲得必要的醫療條件的努力中逐漸建立起的適應能力。帕特森說:“我選擇關注薩爾瓦多人民和他們的故事,是希望展示這個問題——在沒有幫助的情況下,他們的生活是怎樣的?”



            《紙雜志》

            (Paper Journal)

            英國在線攝影雜志


            2017年5月刊


            來自奧克蘭的藝術家洛恩達·赫伯頓(Rhonda Holberton)創作的《靜物》(Still Life)系列作品意圖引起人們的思考:我們眼前看到的圖像世界究竟與外面的真實世界有 多大程度的相似?赫伯頓融合了數字交互技術和傳統藝術手法創作出多媒體裝置藝術。當人們觀看影像作品里的物件時,很難相信那些東西和空間不是真實的。然而,無論是物體本身,還是天衣無縫的光線,或是看上去冰冷雪白的大理石地面,都是數字技術制造的效果。《靜物》系列作品把真實和虛擬世界緊密地交織在一起,想要把二者分開確實很困難。


            2017年7月刊


            本期特別獻給那些經歷著畢業季狂歡的學生們。在這個畢業展覽季,許多藝術院校和藝術專業的畢業生們都在展出自己投入精力創作的作品。倫敦的在線攝影雜志《紙雜志》(Paper Journal,2017年7月刊)專門走訪了耶魯大學的攝影專業碩士畢業生,看看他們在經過了耶魯的學習后是如何理解攝影的。


            如果下了一片海洋 丹娜·辛格


            在剛剛進入耶魯學習的第一年,丹娜·辛格(Danna Singer)有著自己對于藝術攝影的堅定看法,那就是扎根于形式主義,遵循傳統,并且注重技法。當然,在即將走出耶魯的時候,她依然注重這些方面,但是,對于其它的觀點她已經漸漸地能夠坦然面對了。她開始創作一些在她以前看來不精致的影像。經過兩年的學習,黛安娜感到自己的影像創作模式既有形式感也很開放。她的畢業作品拍攝的是她的朋友以及她在新澤西的家人,作品關注了工人階級的困苦,惡性循環的貧窮,以及他們所承受的生理摧殘和精神痛苦。


            耶魯每日新聞,2015-2016 馬修·勒夫海特


            對于馬修?勒夫海特(Matthew Leifheit)來說,在耶魯學習的最大好處就是,這里的人們都是真正地喜歡攝影,同時也喜歡攝影史。這是一個傳統氣息很濃厚的學校。在這里,師生們不是作為藝術家在“使用”攝影,而是作為真正的攝影師在做攝影。這里有大量的批評家和老師,他們在攝影的根本問題方面持有不同的觀點。


            馬修在創作時關注的是照片中的神秘感,他希望照片慢慢地揭示自身,而不是一眼就可以看出所以然。相對于單幅照片而言,馬修對于系列創作更加感興趣。2015年至2017年在校學習期間,馬修拍攝了他的同學以及學校的各種活動。他的照片不是直截了當地告訴觀眾發生了什么事情,而是希望帶給觀眾一種文獻式的真實感,不同的人群可以有不同的看法,就如同一系列的事實會引發不同的反應一樣。


            法拉·阿卡西米的攝影作品


            法拉·阿卡西米(Farah AI-Qasimi)的關注點在于攝影的物質性。這位攝影師認為,照片中的事物不是依賴于照相機照出的影像而存在,他們自有自己的存在方式。法拉不關心照片是否“好”或者“成功”,而是探索從多向度運動著的碎片中建立出一個整體,借此來梳理清楚為什么人們需要信任照片。美國和阿聯酋都是法拉的祖國,阿卡西米觀察了作為外交官的父親的事業,觀看他如何與他人握手, 觀察他們晚宴上的食譜,還有家具等等。外交、戰爭和貿易連接著這兩個國家,法拉把兩國之間日常的交流和協議用物質化形態呈現出來,來表現存在其中的力量。


            沃克·奧樂森的攝影作品


            在接受《紙雜志》記者采訪的時候,沃克·奧樂森(Walker Olesen)說,攝影是一個最為快速的媒體,人們可以在1/4000秒的時間里完成一張照片的拍攝,而油畫技術卻在幾個世紀中穩固不變。攝影的根基在我們的腳下不斷地改變,它即快速又流動。攝影同時也是最簡單易學的媒體,你只需要按動快門就行,你還可以讓其他人幫你按動快門。沃克的系列作品致力于對光線和液體墨色的探究,并將它們凝固在照片的瞬間里。他的許多作品中都有橘黃色元素,例如,以橘黃色的墨水描繪出了一個冰天雪地的海邊日落的時刻。其照片也強調了不同程度的洋紅墨色的特質,以及洋紅色在綠色中的消失過程。


            潮濕的奇趣冒險,2017 哈里·格里芬


            對于如何看待攝影這個問題,哈里·格里芬(Harry Griffin)的觀點是,攝影可以是許多種東西:它既可以是在紋紙上點陣打印出來的東西,也可以是在鋁板上的UV打印出來的東西;紙板上裁剪下來的可以是一幅照片,JPEG也可以是照片。哈里說:“我的一半的作品都是錄像,我把它們看作是我攝影實踐的擴展。在耶魯學習的時間里,我轉變了對于攝影的看法,我更加關注的是照片的含義是什么,它們代表了什么,什么時候可以介入。我一直在探索如何通過這個以鏡頭為基礎的圖像媒體來表達我的觀點。”哈里的畢業作品包括了攝影裝置、雕塑和錄像。這個作品是關于他自己奶奶的家。她的家在一場火災后不復存在,而哈里利用過去拍攝的素材在展覽場地重新建造了一個小型的奶奶的家。



            《鏡頭文化》

            (LensCulture)

            法國在線攝影雜志


            ?2017年5月刊


            2017年“鏡頭文化肖像獎”已經揭曉。由8位評委組成的國際評委團從上千份投稿中挑選出了44份作品,這些手法迥異的影像代表著21世紀肖像攝影的潛在風格,其中許多作品都脫離了人們在主流媒體和社交媒體上常見的路數。

            獲得系列作品獎第一名的是來自墨西哥的攝影師克里斯蒂娜·德·米德爾(Cristina De Middel)。這位獲得過不少獎項的國際著名攝影師此次的獲獎作品為《紳士俱樂部》 (Gentlemen's Club)。這組肖像作品中的人物都是妓院嫖客。2015 年6 月,米德爾在 里約熱內盧的一家報紙上刊登了一則廣告,有償征招愿意作為她拍攝模特的嫖客。許多 人都報名參加。在拍攝過程中,米德爾詢問每個人的生活經歷、個人歷史和召妓動機。 在米德爾看來,嫖客是色情產業的一個主要組成部分,了解他們對于了解該產業很有必要。 在拍攝同時,攝影師翻轉了嫖客的角色,他們從花錢召妓轉變為出售自己。


            2017年7月刊


            本期主題為街頭攝影。鮑·布斯卡托(Pau Buscató)拍攝了一組題為《跳-房-子》(Ho-p-s-c-o-t-c-h)的作品。跳房子是一種普通的街頭游戲,孩子們在地上畫出一系列的矩形,然后在它們之間跳躍。他們隨機扔出一個小物體到框子里,那一小塊平凡的路面就會變成他們眼里的其他事物:地球、天堂等等。同樣,對于這位攝影師來說,街頭攝影如同這一游戲一樣:每天在街道上選擇和構造其景觀的一小部分,這樣這些被截取的片段也可以變成別的東西。它是一種觀察、想象和把握機會的游戲。布斯卡托對街頭攝影的態度是非常直觀的,他總是喜歡讓自己的作品自由地成長:“我不按照項目或系列拍攝,所以這組照片應該被看作是一個個凍結的瞬間,一張張快照,這是一個不斷變化的作品,而且這個變化過程會一直持續下去”。



            《黑之戀》

            (Adore Noir)

            加拿大攝影雜志


            第35期


            本期封面是愛梅爾·卡拉科扎克Emel Karakozak拍攝的人體攝影系列《含苞欲放》中的一幅,影像中的人體如萬花筒般地排列著。卡拉科扎克認為:“人體是人類存在的指示標”,而其作品也從姿態、肌體和藝術表現等角度強調了人體之美

            本期還刊登了唐·懷特布萊德(Don Whitebread) 的系列作品《星光》,這些影像為我們展示了一個全新的夜空景象。盡管我們知道星空從來都在那里,但人們不會總是盯著它們看。懷特布萊德的作品展現給我們的星空超越了我們的慣常經驗:成千上萬的星星發出光亮,地球則壯觀地位于它們中心。

            另外一位攝影師威廉·勞倫斯(William Lawrence)創作了跨越歷史長河的系列作品《銀鹽之夢:人體時代》。攝影師運用1860年代的工藝和1920年代的攝影風格來拍攝21世紀的女性。作品中的職業模特塑造出了一種懷舊與摩登相融合的視覺效果。



            《攝影界新聞》

            (PDN)

            美國攝影雜志


            2017年4月刊


            本期主打影像是攝影師尤斯特·弗蘭科(Jo?t Franko)的攝影故事《廉價棉質服裝背后的血汗》(The Human Cost of Cheap Cotton Clothes)。來自斯洛文尼亞的23歲年輕攝影師弗蘭科以全球廉價服裝零售企業的服裝生產與銷售作為線索,通過鏡頭記錄了其服裝供應鏈條的狀況。2013年,孟加拉國的一個服裝工廠廠房倒塌,造成了1000多名工人失去生命,令世界的目光轉向了對服裝工人勞動環境的關注。弗蘭科一直關注那些不被人看到也不被報道的故事,他認為,攝影師尋找拍攝對象和作為普通人去關注他人事實上是交織在一起的。從非洲博金納的田野上,兒童種植、采摘棉花,到達卡的紡織廠里的工人在惡劣條件下進行廉價勞動,弗蘭科都進行了系統拍攝,借助照片呈現出人們購買的服裝背后,全球范圍內工人的血汗付出。普利策中心高級編輯湯姆·亨德利(Tom Hundley)認為,弗蘭科的作品采用了最為直接、全面、明確的手法去講述故事,并以此影響觀看的人們。



            《鏡頭架》

            (Lenscratch)

            美國在線攝影雜志


            2017年1月刊


            黛安娜·福克斯(Diane Fox) 的系列作品《非自然歷史》反思了人類文化中一種奇怪的執迷現象,那就是在一個安全且氣候可控的環境里人為制造舒適的大自然。比如,如果你無法前往非洲大草原,你可以在某一個自然歷史博物館里觀看當地動物的標本,它們被擺放在看上去很逼真的人造大自然景觀之中,并且置于厚厚的玻璃屏蔽之后。

            福克斯走訪了美國和歐洲的博物館進行拍攝,影像看上去具有一種奇怪的震撼性和荒誕感,攝影師把人類“再現”自然的方式清晰地展現出來,這些照片帶給我們的是一個非常不自然的歷史。大自然雖然來到了我們面前,卻是透過動物園的玻璃窗、自然歷史博物館或者是電視屏幕才得以實現。與此相似,為我們展示世界的照片,也是間接地、是通過照相機的鏡頭才得以形成的。


            《部分》

            (Fraction)

            美國在線攝影雜志


            2017年2月刊


            本期介紹了攝影師尼克·卡蓮紐緹絲(Niko J Kallianiotis)的系列作品《恍惚的美國》(America in a Trance)。攝影師如此這般地介紹自己的作品:“我穿梭于賓夕法尼亞州的城市和鄉鎮之間,這里曾經是繁榮且充滿生機的地方。我用攝影反映這個曾經被美國的工業翅膀保護過的小鎮的價值觀。這里曾是宣傳美國價值觀的范本,它所秉持的工業主義信仰承諾著要為那些來自‘破碎’的歐洲各國的移民提供更好的未來。”

            如今,同樣作為移民的攝影師本人傷心地觀察著賓夕法尼亞的變化。那些曾經在自給自足的同時,為美國工業帝國貢獻力量的城鎮如今卻已銹跡斑斑,無人問津。攝影師意圖探索那些不知名的地方,重新尋找熟悉的痕跡。這一系列作品觀察了“美國夢”逝去的具體面貌,盡管作品展現的只是美國東北部賓夕法尼亞的景觀,某種程度上卻能反映在全美國逐漸蔓延的衰敗狀況。



            《ZEKE》?

            全球紀實攝影雜志


            2017年春季刊


            影像不能阻止戰爭,但是攝影依然拒絕僅僅作為插圖而存在,攝影的特質是行動, 如何拍攝照片取決于如何行動。本期刊登了一篇題為《拍攝,行動》(Taking Pictures, Taking Action)的文章,作者安娜·阿卡吉-基斯里茨卡(Anna Akage-Kyslytska)走訪學者、活動家和攝影師,詢問他們對于影像如何能夠改變世界的看法。攝影批評家維基·戈德堡(Vicki Goldberg)認為,只有政治或者社會能夠做出反應時,照片才有可能起到改變世界的作用。《社會紀實攝影》(Social Documentary Network)網絡雜志主任艾米·巖金(Amy Yenkin)的觀點是,作為攝影師,如果你不滿足于僅僅拍攝每日新聞圖片,那么你就需要設身處地,形成自己對歷史和形勢的深刻理解,在此基礎上與被拍攝對象接觸。學者蜜雪兒·博之(Michelle Bogre)對于大量觀看者轉變為民間新聞攝影師這一現象持有懷疑態度,認為:“作為一名觀看者,我信任的是攝影師,而不是影像”。這位學者認為民間新聞攝影存在著危險,新媒體將社會責任轉移到了觀者身上。除非觀者自己進行社會調查,否則不應該理所當然地認為所看到的影像具有任何準確性。

            盡管新媒體文化是建立在粉絲的數量、虛假的歸屬感和行動之上的,但僅僅靠去討好觀者仍然不會有好的結果。人們對于那些自己無能為力或者無法消化的信息會漸漸變得遲鈍或者始終難以感同身受。



            《泡沫》

            (Foam)

            荷蘭攝影雜志

            ?

            總第47期


            人所皆知,“宣傳”是一種政治性的操縱方式,其手法是仔細選擇哪些信息該說哪些信息不該說。很少會出現操縱領域模糊的情況,操縱者也通常容易辨認。即使在最高政治層面,對于那些看上去毋庸置疑的事實,現在似乎也是人們通過選擇“另外一種事實”來無情地回避。

            我們處于一個需要警惕的“后真實”(Post-Truth)政治興起的時代,最為重要的是仔細觀察信息的本質和出處,尤其是那些視覺材料。本期探討這個問題的作品大都出自當代藝術家之手,這些藝術家對于宣傳主義的媒體策略和其中使用的視覺影像都持有共同的批評態度。

            藝術具有揭示權力的特質,并且可以揭露權力的真實面目。當下,這一特點比以往任何時候都顯得重要。



            《噪音》

            (Noice.)

            美國在線攝影雜志



            2017年5月刊


            “放下你的手機,傻瓜,燈已經變綠了!”交通燈下,一定可以看到人類這個物種是何等的瘋狂。才等待了幾秒鐘,我們就開始不安地扭動身體,干點什么呢?大家總是在身后的車鳴聲中醒過神來。我們難道真的如此害怕與真實的自我獨處哪怕一分鐘嗎?我們一定要跟社交媒體同步嗎?

            美國攝影師艾瑞克·皮克斯基爾(Eric Pickersgill)的系列作品《被移開的社交》 (Removed.Social)討論了與我們形影相隨的手機和其它設備對人們的影響。照片中,這些設備都被移開了,借此刻畫出的恐怖的、僵尸般的景象,從而批評了這些看似連接彼此的設備事實上切斷了人類最基本的互動。無疑,這些技術進步使我們受益。從另外一個方面看,自從發明了它們,我們似乎才發現了兩個拇指的真正用途。然而,今天的兒童們坐在飯桌前,手拿平板設備,永遠都不知道曾經作為孩子的快樂是什么樣的。讓我們嘗試著做一下改變,把手機留在口袋里吧。



            《千字言》

            (1000 Words)

            美國在線攝影雜志



            2017年7月刊


            一個人如何以攝影的方式理解另一個人生活的經歷,以及由這些經歷所構成的生活? 馬修·芬恩(Matthew Finn) 拍攝的照片是對他母親生活的描述。生活在緩慢地轉變,緩慢地遠離習以為常的形態:每天由相似的事組成,生活中與人、與事物的關系等等。這些構成了人之一生所經歷的世界。芬恩拍攝了他母親的系列肖像。然而,這些照片并不是通常意義上的肖像,而是一種對生活的描述,是對人類生活環境的一種深刻的人文反思。首先,芬恩的《母親》系列照片希望促使人們思考:從自己的角度出發,我們在照片中究竟能看到什么。同時,他也試圖借此簡單地探索一下如何描述我們的好奇心,即我們的欲望。我們可以通過探索照片潛在的與人“溝通”的特質,去發掘和理解人們的好奇心。





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